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You will find below a Q&A with Pittsburgh-based artist Joe Mruk, the one behind the the SFCC The Club theme As Long as the Heart. To know more about Joe and why Alex wanted to work with him to give a visual identity to the SFCC this year, you can read this story that has been previously published.

Q: First of all, thank you so much for taking the time to answer a few questions for our people to discover a little more about.

A: No problem!



Q: Can you share with us a quick overview of what got you into art and illustration?

A: I drew most of my childhood, getting deeply into music as a teenager and drawing what the music made me feel. I drew a lot of dirty cityscapes and people from skate ads as a teenager, and I suppose skate culture was my first introduction to underground art. I used to think I wanted to be a writer in high school, but the art thing really took hold in college and I went from there!


Q: Was it what you had always envisioned to do?  Was there any other dreams you had, or has art always been at the center of your life?

A: Definitely tons of reading and too much television early on! I've always had a hyperactive mind and when I see something I like, it's a total magnet for me. I never questioned the impulse, and my school notebooks had more drawings in them than actual notes. And I wrote two full length novels and dozens of stories and poems by early college, all unpublished of course. They are certainly the work of an inexperienced young man, but I'm still extremely proud of them. One was a seafaring action story and the next was about a few New Mexico teenagers who experience a friend's death. The impulse to write faded as art took over, but as a result of that writing experience, much of the art I made had an inherent narrative quality. I fully plan on making a strong return to writing now that I've grown and experienced so much more of what life has to offer. I'm especially aiming toward children's books and young adult literature.

Q: Have you had any doubts about the realization of such a vision along the way? If so, what were they and how were you able to conquer them?

A: One of the reasons I've taken so long to truly begin some of the children's books I have in mind is because I do have fears about spending a lot of time on noncommissioned work only to be rejected by publishers. It's still a process I have yet to begin, and rejections are common. The last ten years of artmaking and producing commissioned work have really helped to grow my confidence. In my clearest of minds, I have no doubt I'll be able to get something published at some point as long as I apply myself and work through the process. I'm so thankful and fortunate to have such supportive friends and clients, and a family that encouraged my art skills.

Q: You worked with many people, in different kinds of environments and in all sorts of conditions. Is your creative motion the same regardless of the project, or does it change every time? Can you tell us more about any recurring creation process you have?

A: The process of working with clients changes every time there's a new project on the horizon. I really relish that chimerical aspect of working with different types of artists and minds. It means I get to utilize different parts of myself, different emotions and vibes that are all part of me yet disparate. Some aspects of the process remain constant, like the brainstorming and immersion sessions that happen early on. If I'm working with a musician, I must immerse myself in the music, of course, before I start. I write down words in a free-associative process, think of colors and vibes, and share those feelings with the client before the true process begins. And what happens afterward is always not quite what I originally imagined or expected, which is a blissful thing to me.

Q: Besides “As Long as the Heart”, what is the creation you are the proudest of and why?

A: It's nearly impossible for me to name a favorite project because everything I make comes from a deep part of me. I will say that I do especially love making album art and maps these days!

Q: Is there one particular project that you would have liked to go deeper in, or find another angle to? I mean, every project is so different, I guess it’s not always as simple as it seems to truly “touch it”.

A: Besides future books I'd like to work on, I certainly often find myself stifled by the mere fact that a project only requires one or a few pieces of artwork, because I'll often develop a character for that illustration and think "Man, there's more of a story to tell there!" beyond that brief glimpse.

 


Q: Alex has wanted to work with you for a while and it was important to introduce you to his people. What was it like to work on “As Long as the Heart” knowing just how personal his album “Windows in the Sky” is?


A: It's always intense in a way knowing you're approaching someone's work from a peripheral angle, intermingling your thoughts with that which you perceive of theirs. Especially if that work feels intensely personal. But this project wasn't difficult at all, because I found a lot of myself reflected in Alex's music and went with those impulses.




Q: What was the pivotal moment when you knew “ok, that’s the idea, that’s the central element I was looking for”?

A: For Alex, the pivotal moment was visualizing a physical landscape, or series of landscapes, when listening to "Windows in the Sky" and trying to sharpen how those felt to me in a rough draft. Of course, I couldn't use every element I thought of, so I had to choose some of the most resonant ones. The album gave me a lot of architectural ideas that weren't quite modern, or connected with a much older people than ours. The dramatic sweep of the record helped to give me the vibe I'd like to connect with the architecture, which I wanted to look windswept, overgrown and private.

Q: Do you have any doubt before sharing that idea when you collaborate with other artists who have an identity as clear as Alex Henry?

A: Sharing initial ideas is never difficult. Sharing the rough draft is always slightly intense, but musicians have been such an agreeable lot to work with. I hope that's because I think like them (I'm really into music more than visual art, myself!). Plus I make music too with my project Saint Deadmule, so that's given me a chance of making visual ideas into soundscapes myself. The rough drafts don't always work out, of course, and that's fine. That's life. Some clients have particular ideas that they can or can't articulate, and it's up to me to get as close as I can. With Alex, this process was easy!




Q: Is there any form of creative inhibition that comes into play at some point, especially when it implies intimate emotions such as grief and healing? Can you share what was Alex Henry’s initial reaction when you shared the core of your vision?

A: I don't have much trouble coming up with personal inner visions. In fact it's a deeply therapeutic process that's become increasingly natural. I'm lucky to have a chance to use some of these visions for paid work! Alex shared with me that the death of his father was a part of what informed the album and emerged in some of the symbolism, and I could absolutely connect with that because my dad passed away last summer and I'm finding all sorts of ways to work through the grief with artwork. I think that's part of the reason why this project was an easy one. The tougher ones are sometimes the "less personal" ones! Alex's response was very kind and I was humbled by his words. He has shown so much respect for not just working artists but the true spirit and near-magic of the collaborative process itself and what it signifies. That makes it all the more enriching an experience to work with such a thoughtful soul.

Q: Alex Henry has been enthusiastically praising what he calls “your gift to visually incarnate emotions rather than just illustrate them”. Do you see it that way? Is it something that you conscientiously want to touch, or is it unconsciously part of your creative process? It might sound a little esoteric, but since such a perspective often comes in Alex Henry’s choice of collaborators, I was wondering how you interpret his affirmation.

A: Haha, well I suppose that if it happens, it's mostly natural. And that only comes from repeatedly doing this while reconciling with your own doubt every time. I think it would be harder to come up with something that I "felt" less. Like straight cold design work, or web design, or logos. Logos are particularly tough for me because I can't "feel" them as much if they're not paired with an illustration. I love working with words and names, but mainly when they emerge naturally from an illustrative environment.

Q: I know that Alex Henry rarely shares his insights about his creations - he likes to let people define their own feelings and perceptions. That being said, I would like to know what is your own personal take on your illustration? What does it mean for you? 

A: For me, the illustration symbolizes the broken but resilient architecture of a heart that glows with love, symbolized by the toothpick heart held up to the hummingbird's chest by saintly hands. I'm a nonreligious person but recognize the potency of religious imagery and pontificating hands feels to me a direct address to the conversations of the soul rather than the actual outside world. So what we end up with is a sort of courtyard of the soul--a place to feel safe and address those feelings about the outside world.




Q: Knowing that your creation will be sent all over the world, that this poster will be hung on walls in Russia, Australia, Japan, China, UK, all over Europe, and throughout the Americas, do you think that art has a healing role or a possible impact on people, whatever their politic or social vision might be? If yes, how? 

A: I mean, that's super humbling, of course! And absolutely--the art is meant to heal. It certainly is a restorative process to make the work. We live in a difficult world and I hope everyone cares to maintain the courtyard in their own soul architecture. Trees need trimming and paths need clearing, though we all let it get overgrown sometimes.



Q: Thank you so much for your generosity Joe, is there anything else you would like to share with the people who now have the privilege to know you a little better?

A: If there's anything else I'd like to share, it might be that people can check out my website at www.redbuffalo.org to see my whole portfolio or to contact me. Follow me on Instagram @redbuffaloill. My music is available at www.saintdeadmule.bandcamp.com!




Q: As the last question, I have to ask, especially knowing Alex Henry’s people’s enthusiasm towards “As Long as the Heart”, was that collaboration a one-off moment, or you would like to keep partnering with Alex Henry on any future project?

A: In a heartbeat. This project was a dream. Thanks for everything!


To discover a little more about Joe's creative universe: http://redbuffalo.org/

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Vous trouverez ci-dessous un Q&A avec l'artiste Joe Mruk, originaire de Pittsburgh, celui qui est derrière le design du thème du Club SFCC As Long as the Heart. Pour en savoir plus sur Joe et pourquoi Alex voulait travailler avec lui pour donner une identité visuelle au SFCC cette année, vous pouvez lire cette histoire qui a été publiée précédemment.

Q: Question : Tout d'abord, merci beaucoup de prendre le temps de répondre à quelques questions pour que nos fans puissent te découvrir un peu plus.

Réponse : Ça me fait plaisir !



Q : Peux-tu partager avec nous un bref aperçu de ce qui t’a amené dans l'art et l'illustration ?

R : J’ai dessiné pendant presque toute mon enfance, puis je me suis plongé dans la musique à l’adolescence et je dessinais ce que la musique me faisait vivre. J'ai dessiné beaucoup de paysages urbains sales et de gens qui étaient dans les publicités de skate à l'adolescence, et je suppose que la culture du skate a été ma première introduction à l'art underground. Je pensais que je voulais être écrivain au lycée, mais l'art a vraiment pris racine au collège et je suis parti de là !


Q : Est-ce c’est ce que tu as toujours voulu faire ? As-tu eu d'autres rêves, ou l'art a-t-il toujours été au centre de votre vie ?

R : Certainement des tonnes de lecture et trop de télévision assez tôt ! J'ai toujours eu un esprit hyperactif et quand je vois quelque chose que j'aime, c'est un véritable aimant pour moi. Je n'ai jamais remis en question l'impulsion, et mes cahiers d'école contenaient plus de dessins que de véritables notes. Et j'ai écrit deux romans complets et des dizaines d'histoires et de poèmes au début de l'université, tous inédits bien sûr. C'est certainement l'œuvre d'un jeune homme inexpérimenté, mais j'en suis toujours extrêmement fier. L'une était une histoire d'action maritime et la suivante concernait quelques adolescents du Nouveau-Mexique qui vivent la mort d'un ami. L’écriture s'est évanouie à mesure que l'art a pris le dessus, mais à la suite de cette expérience d'écriture, une grande partie de l'art que j'ai créé avait une qualité narrative inhérente. J'ai bien l'intention de faire un retour en force à l'écriture maintenant que j'ai grandi et expérimenté tellement plus de ce que la vie a à offrir. Je vise surtout les livres pour enfants et la littérature pour jeunes adultes.

Q : As-tu eu des doutes sur la réalisation d'une telle vision en cours de route ? Si oui, quels étaient-ils et comment as-tu pu les conquérir ?

R : L'une des raisons pour lesquelles j'ai mis si longtemps à vraiment commencer certains des livres pour enfants que j'ai à l'esprit est parce que j'ai peur de passer beaucoup de temps sur des travaux non commandés qui seront finalement rejetés par les éditeurs. C'est un processus que je n'ai pas encore commencé et les rejets sont courants. Les dix dernières années de création artistique et de production de commandes ont vraiment contribué à accroître ma confiance. Lorsque j’y vois clair, je n'ai aucun doute que je serai capable de publier quelque chose à un moment donné tant que je m'appliquerai et que je travaillerai tout au long du processus. Je suis tellement reconnaissant et chanceux d'avoir des amis et des clients si encourageants et une famille qui a encouragé mes compétences artistiques.

Q : Tu as travaillé avec de nombreuses personnes, dans différents types d'environnements et dans toutes sortes de conditions. Ton processus créatif est-il le même quel que soit le projet ou change-t-il à chaque fois ? Peux-tu nous en dire plus sur tes processus de création récurrents ?

R : Le processus de travail avec les clients change à chaque fois qu'un nouveau projet se profile à l'horizon. J'apprécie vraiment cet aspect chimérique du travail avec différents types d'artistes et d'esprits. Cela signifie que je peux utiliser différentes parties de moi-même, différentes émotions et vibrations qui font toutes partie de moi mais disparates. Certains aspects du processus restent constants, comme les séances de brainstorming et d'immersion qui ont lieu tôt. Si je travaille avec un musicien, je dois bien sûr m'immerger dans la musique avant de commencer. J'écris des mots dans un processus de libre association, je pense aux couleurs et aux ambiances et je partage ces sentiments avec le client avant que le véritable processus ne commence. Et ce qui se passe par la suite n'est toujours pas tout à fait ce que j'imaginais ou attendais à l'origine, ce qui est une chose bénissante pour moi.

Q : Outre “As Long as the Heart” (Tant que le coeur), quelle est la création dont tu es le plus fier et pourquoi ?

R : C’est presque impossible pour moi de nommer un projet favori parce que tout ce que je fais vient du plus profond de mon être. Je dirai que j'aime particulièrement faire des pochettes d'album et des cartes ces jours-ci !

Q : Y a-t-il un projet particulier pour lequel tu aurais aimé approfondir ou trouver un autre angle ? Je veux dire, chaque projet est si différent, je suppose que ce n’est pas toujours aussi simple que cela semble de vraiment y “toucher”.

R : Outre les futurs livres sur lesquels j'aimerais travailler, je me trouve souvent étouffé par le simple fait qu'un projet ne nécessite qu'une ou quelques œuvres artistiques, car je développe souvent un personnage pour cette illustration et je me dis : "Wow, il y a plus qu’une seule histoire à raconter ici !" au-delà de ce bref aperçu.

 


Q : Alex voulait travailler avec toi depuis un certain temps et il était important de te présenter aux gens qui le suivent. Comment était-ce de travailler sur “As Long as the Heart” (Tant que le coeur) en sachant à quel point son album “Windows in the Sky” est personnel ?


R : C'est toujours intense de savoir que vous abordez le travail de quelqu'un sous un angle périphérique, mêlant vos pensées à ce que vous percevez des leurs. Surtout si ce travail semble intensément personnel. Mais ce projet n'était pas du tout difficile, car je me suis retrouvé dans la musique d'Alex et j'ai suivi ces impulsions.




Q : Quel a été le moment charnière où tu as su : "ok, c'est l'idée, c'est l'élément central que je recherchais" ?

R : Pour Alex, le moment crucial a été de visualiser un paysage physique, ou une série de paysages, en écoutant "Windows in the Sky" et en essayant de préciser ce que je ressentais dans un brouillon. Bien sûr, je ne pouvais pas utiliser tous les éléments auxquels je pensais, alors j'ai dû choisir certains des éléments les plus résonnants. L'album m'a donné beaucoup d'idées architecturales qui n'étaient pas tout à fait modernes, ou liées à un peuple beaucoup plus âgé que le nôtre. Le balayage dramatique de l’album m'a aidé à me donner l'ambiance pour connecter avec l'architecture, à laquelle je voulais donner un air balayé par le vent, envahi par la végétation et privé.

Q : As-tu un doute avant de partager cette idée lorsque tu collabores avec d'autres artistes qui ont une identité aussi claire que celle d’Alex Henry ?

R : Partager les idées initiales n'est jamais difficile. Partager le brouillon est toujours un peu intense, mais c’est tellement agréable de travailler avec les musiciens. J'espère que c'est parce que je pense comme eux (je suis vraiment plus dans la musique que dans les arts visuels, moi-même !). De plus, je fais de la musique aussi avec mon projet Saint Deadmule, ce qui m'a donné une chance de transformer moi-même des idées visuelles en paysages sonores. Les brouillons ne fonctionnent pas toujours, bien sûr, et c'est très bien. C'est la vie. Certains clients ont des idées particulières qu'ils peuvent ou ne peuvent pas articuler, et c'est à moi de me rapprocher le plus possible. Avec Alex, ce processus était facile !




Q : Y a-t-il une quelconque forme d'inhibition créative qui entre en jeu à un moment donné, en particulier lorsqu'elle implique des émotions intimes telles que l’affliction et la guérison ? Peux-tu partager la réaction initiale d’Alex Henry lorsque tu as partagé le cœur de ta vision ?

R : Je n'ai pas beaucoup de mal à avoir des visions intérieures personnelles. En fait, c'est un processus profondément thérapeutique qui devient de plus en plus naturel. J'ai la chance d'utiliser certaines de ces visions pour un travail rémunéré ! Alex a partagé avec moi que la mort de son père faisait partie de ce qui a donné naissance à l'album et a émergé dans une partie du symbolisme, et je pouvais absolument me retrouver là-dedans parce que mon père est décédé l'été dernier et je trouve toutes sortes de moyens de surmonter le deuil avec des œuvres d'art. Je pense que c'est en partie la raison pour laquelle ce projet était facile. Les plus durs sont parfois les "moins personnels" ! La réponse d'Alex a été très gentille et j'ai été touché par ses paroles. Il a montré tellement de respect non seulement pour les artistes en activité, mais aussi pour l'esprit véritable et la quasi-magie du processus de collaboration lui-même et de ce qu'il signifie. Cela rend d'autant plus enrichissante une expérience de travailler avec une âme aussi attentionnée.

Q : Alex Henry a loué avec enthousiasme ce qu'il appelle "ton don d'incarner visuellement les émotions plutôt que de simplement les illustrer". Le vois-tu ainsi ? Est-ce quelque chose que tu veux consciencieusement toucher ou fait-il partie inconsciemment de ton processus créatif ? Cela peut sembler un peu ésotérique, mais comme une telle perspective vient souvent dans le choix des collaborateurs d’Alex Henry, je me demandais comment tu interprétes son affirmation.

R : Haha, eh bien je suppose que si ça arrive, c'est surtout naturel. Et cela ne vient que dans l’action de le faire à plusieurs reprises tout en se réconciliant à chaque fois avec ton propre doute. Je pense qu'il serait plus difficile de trouver quelque chose que je "ressens" moins. Comme le travail de conception à froid, ou la conception de sites Web ou les logos. Les logos sont particulièrement difficiles pour moi parce que je ne peux pas les "ressentir" autant s'ils ne sont pas associés à une illustration. J'adore travailler avec les mots et les noms, mais surtout lorsqu'ils émergent naturellement d'un environnement d’illustration.

Q : Je sais qu'Alex Henry partage rarement ses perspectives sur ses créations - il aime laisser les gens définir leurs propres sentiments et perceptions. Cela étant dit, j'aimerais savoir quel est ton point de vue personnel sur ton illustration ? Qu'est-ce qu’elle signifie pour toi ?

R : Pour moi, l'illustration symbolise l'architecture brisée mais résiliente d'un cœur qui brille d'amour, symbolisé par le cœur tenu par un cure-dent contre la poitrine du colibri par des mains pieuses. Je suis une personne non religieuse, mais reconnaître la puissance de l'imagerie religieuse et des mains pontificatrices me semble une adresse directe aux conversations de l'âme plutôt qu'au monde extérieur réel. Nous nous retrouvons donc avec une sorte de cour de l'âme - un endroit pour se sentir en sécurité et aborder ces sentiments sur le monde extérieur.




Q : Sachant que ta création sera envoyée dans le monde entier, que ce poster sera accroché aux murs en Russie, en Australie, au Japon, en Chine, au Royaume-Uni, dans toute l'Europe et en Amérique, penses-tu que l'art a un rôle de guérison ou un impact possible sur les personnes, quelle que soit leur vision politique ou sociale ? Si oui, comment ?

R : Je veux dire, je suis très reconnaissant, bien sûr ! Et absolument - l'art est destiné à guérir. Il y a vraiment un processus réparateur dans les créations artistiques. Nous vivons dans un monde difficile et j'espère que tout le monde se soucie de s’occuper de la cour dans sa propre architecture d'âme. Les arbres doivent être taillés et les chemins doivent être défrichés, même si nous la laissons tous envahir parfois. 



Q : Merci beaucoup pour ta générosité Joe, y a-t-il autre chose que tu aimerais partager avec les personnes qui ont maintenant le privilège de te connaître un peu mieux ?

A: R : S'il y a autre chose que j'aimerais partager, ça pourrait être que les gens peuvent consulter mon site Web à www.redbuffalo.org pour voir tout mon portfolio ou pour me contacter. Suivez-moi sur Instagram @redbuffaloill. Ma musique est disponible sur www.saintdeadmule.bandcamp.com!




Q : Comme c’est la dernière, je dois te poser la question, surtout en connaissant l'enthousiasme des fans d'Alex Henry pour “As Long as the Heart” (Tant que le coeur), est-ce que cette collaboration était un moment ponctuel, ou vous aimeriez continuer à vous associer avec Alex Henry sur tout projet futur ?

R : Sans hésiter. Ce projet était un rêve. Merci pour tout !


Pour en savoir plus sur l’univers créatif de Joe : http://redbuffalo.org/